Une exploration de la zone « marécageuse » entre l'homme et les autres formes de vie qui constituent son écosystème et son environnement, à l'intersection de l'art, de l'architecture et de la philosophie, dans la perspective d'une écologie posthumaniste.

L'émergence simultanée du tueur en série et de la chaîne de montage comme expressions de la rationalité des méthodes de production modernes.

La première étude mondiale des formes contemporaines de cinéma issues des mouvements d'autodétermination politique et culturelle des communautés et des peuples autochtones.

Le quatrième volume de la publication annuelle du Wattis Institute for Contemporary Arts à San Francisco, autour des thèmes qui structurent l'œuvre de Lorraine O'Grady : la subjectivité féminine noire, le féminisme intersectionnel, la critique institutionnelle, la musique et la traduction.

Fascisme, néocolonialisme et capitalisme.

Une collection d'essais critiques, polémiques et personnels rédigés au cours de la dernière décennie.

Publication issue d'un série d'expositions dédiées à l'artiste Mladen Stilinović : une documentation visuelle exhaustive et un ensemble d'essais inédits qui examinent l'héritage de la néo-avant-garde d'Europe de l'Est.

Ce qui vient après les récits de fin du monde : les visions possibles d'un avenir juste et d'un épanouissement multi-espèces.

Le lait en tant que substance bio-culturelle (textes de Heather Paxson, Esther Leslie & Melanie Jackson, Harry G. West, Vinciane Despret, Chris Fite-Wassilak et Richie Nimmo).

Forms of Abstraction traite de l'abstraction non pas comme une option formelle dans l'art, ou comme une spéculation théorique étherée, mais comme une force opérationnelle qui a redessiné notre monde, et continue de le faire.

Les aventures d'une étudiante en art française qui se rend à New York pour travailler comme assistante d'une artiste établie.

Une publication de Pure Fiction, un groupe d'écriture et de performance actif depuis 2011, basée sur une exposition et un programme de performances prenant pour point de départ une lecture collective du roman de Mary Shelley Le Dernier Homme (1826).

Nicolas Bourriaud prône une conception nouvelle de l'art, qui prenne la mesure de la décroissance et de la décolonisation, et dont l'inclusion serait le maître mot (édition anglaise).

Un large ensemble d'essais du commissaire d'exposition et directeur de musée Viktor Misiano écrits entre 1988 et 2005, rassemblés et disponibles en anglais pour la première fois.

Un centre de bien-être sud-coréen conçu comme une fausse prison : un projet initié par l'artiste Tyler Coburn sur la privation sensorielle, la vie monastique, l'industrie du bien-être, le complexe prison-industriel et l'histoire de la solitude.

Les perspectives de pédagogies engagées, d'apprentissage collectif et d'écologies artistiques qui peuvent offrir de nouvelles institutions.

Un recueil d'essais de critique d'art, questionnant le trouble « non héroïque » véhiculé par les œuvres.

A travers des conversations avec des commissaires d'expositions et des artistes participants, cet ouvrage revisite certaines des expositions d'art public européennes et américaines les plus avant-gardistes et pourtant peu étudiées des années 1980 et 1990.

À travers quatre études de cas, cet ouvrage collectif étudie les approches décoloniales, non hégémoniques et alternatives de la profession de commissaire d'exposition en Suède des années 1960 au début des années 2000.

Le troisième volume de la publication annuelle du Wattis Institute for Contemporary Arts à San Francisco s'inspire de thèmes que l'on retrouve dans l'œuvre de Cecilia Vicuña, notamment l'écoféminisme, les formes de connaissance indigènes, la poésie et la politique, la dissolution et l'extinction, l'exil, la dématérialisation, la régénération et la responsabilité environnementale.

Une analyse des relations constitutives du curatorial.

Comment notre expérience de la présence, du temps et de l'histoire s'articule dans les pratiques artistiques contemporaines.

De la « critique institutionnelle » à la « critique infrastructurelle » de l'art.

Technologie, intimité et intersubjectivités alternatives.

Une conversation sur la science-fiction et la robotique, l'écologie et le genre, les futurismes indigènes et ce que signifie être humain.

Training for the Future est un camp de formation utopique où les publics sont transformés en stagiaires pour « pré-mettre en scène » des scénarios alternatifs et se réapproprier les moyens de production du futur. Ce manuel rassemble les manuels de formation, les entretiens et la documentation des différents « camps » qui ont eu lieu de 2018 à 2021.

Un examen critique de l'approche politiquement et socialement engagée du Studio Experimentelles Design, qui interroge les implications sociales du design en même temps que les conditions de travail des designers aujourd'hui.

Un ensemble de contributions d'artistes, d'écrivains, de théoriciens, de chamans, de poètes et d'activistes autour de l'Amazonie, des multiples langages (oraux mais aussi visuels), pensées, traditions et mythes de ses peuples et de leurs formes de résistance passées et présentes.

Les dimensions sociales et politiques de la crise de la critique d'art dans le contexte actuel.

Quarante et une contributions d'artistes, de chercheurs, de scientifiques et de militants en réponse à l'évolution dramatique actuelle des océans.

Le deuxième volume de la publication annuelle du Wattis Institute for Contemporary Arts à San Francisco, un ensemble de réflexions et de contributions littéraires et artistiques autour des questions soulevées par le travail de la cinéaste Trinh T. Minh-ha.

Un essai du philosophe et théoricien de l'art et des médias sur l'évolution actuelle et le devenir possible des pratiques et stratégies des collections muséales.

Une discussion sur les perspectives du féminisme révolutionnaire à partir du film emblématique de Želimir Žilnik.

La production artistique comme outil d'influence politique et diplomatique pendant la guerre froide.

Artistes, chercheurs, cinéastes et écrivains revisitent les films de Danièle Huillet et Jean-Marie Straub.

Les technologies numériques et d'archivage de données transforment activement la nature des archives des guerres contemporaines. Rassemblant un éventail de perspectives scientifiques et de pratiques artistiques, (W)archives examine l'archivage numérique en tant que technologie de guerre intégrale et la manière dont les artistes répondent à ces changements.

La relation entre l'art et la cybernétique et leurs interrelations dans le passé et le présent.

Les objets peuvent-ils être traumatisés ? Dans quelle mesure la valeur commerciale d'un objet d'art est-elle liée à ses qualités esthétiques ? Comment les objets interagissent-ils ? Graham Harman, fondateur de la philosophie orientée objet, définit la notion d'objet selon le réalisme spéculatif en s'attardant sur le cas particulier de l'objet artistique.

Publication basée sur les recherches approfondies de l'artiste Ilona Németh autour de l'histoire de la production sucrière en Europe centrale depuis le début du XIXe siècle jusqu'à la mondialisation post-communiste.

Un ensemble d'essais (Georges Didi-Huberman, David Lapoujade, Peter Osborne, Jacques Rancière, Christine Ross, etc.) et d'entretiens (avec Via Lewandowsky, Aernout Mik et Marcel Odenbach) autour des multiples dimensions de la notion d'immobilité (et de temporalité non linéaire), entre problématiques sociales, stratégies esthétiques et questionnement philosophique.

L'art comme forme d'énergie spécifique et autonome, indépendante des forces du marché (publication issue du programme MA Fine Arts 2019 de la Haute École d'art de Zurich – ZHdK, dirigé par Donatella Bernardi).

Publié à l'occasion de la première biennale de Prague, ce recueil explore différentes perspectives sur les différences de classe, de race et de sexe dans les états post-socialistes, à la recherche de nouveaux modes de communication permettant de fédérer les individus et de faire société.

Un ensemble de réflexions et de contributions littéraires et artistiques inspirées des thèmes au cœur de l'œuvre de l'écrivaine américaine Dodie Bellamy, à partir de la question « qu'apprenons-nous des artistes aujourd'hui ? ».

Mêlant de façon originale mémoires et critique sociale, combinant des observations personnelles avec une analyse systémique générale (sur des thèmes allant du Brexit, de Trump et du tournant droitier général à #MeToo, aux hommes à barbe et à Balenciaga), le livre d'Isabelle Graw propose un nouveau genre d'écriture.

S'appuyant sur des documents originaux, des photographies et des œuvres d'art de détenus, cet ouvrage offre un aperçu unique de l'expérience de la détention des immigrants au Royaume-Uni.

Un ensemble de théoriciens, d'historiens et d'artistes internationaux aborde l'avenir précaire de la notion même de futur.

Cet essai examine le rôle de la recherche et de la production de savoirs dans l'art contemporain et l'importance croissante, dans les pratiques curatoriales et institutionnelles actuelles, du rôle de l'art lui-même en tant que vecteur de connaissances.

Cet ouvrage collectif revisite le formidable héritage de la révolutionnaire russe Alexandra Kollontai (1872–1952) à l'aune des luttes féministes actuelles. Avec la traduction anglaise de la pièce biographique de 1977, Kollontai, de l'écrivaine suédoise Agneta Pleijel.

Le critique d'art Martin Herbert explore l'œuvre de la sculptrice et artiste conceptuelle Carol Bove, l'une des créatrices les plus importantes sur la scène contemporaine.

Cette publication explore l'héritage du film documentaire choc de l'artiste néerlandais Renzo Martens, Enjoy Poverty (2008) : une œuvre provocante examinant comment l'exploitation de la pauvreté est devenue le produit d'exportation le plus lucratif en République démocratique du Congo.